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2026年【浙江师范大学806音乐学综合】真题解析！
中国音乐史
一、名词解释(6选4,每题五分，共20分)
1.燕乐
燕乐又称宴乐，是隋唐至宋代宫廷宴饮、娱乐场合所用的综合性歌舞音乐，融合汉族传统清乐、胡乐及外来音乐，是隋唐音乐文化的高峰。其宏大，代表性形式有七部乐、九部乐、十部乐，以及坐部伎、立部伎。音乐风格华丽多彩，乐器丰富，歌舞并重，体现了多民族文化交融。燕乐不仅推动了歌舞大曲、法曲等艺术形式成熟，也对后世词曲音乐、戏曲声腔产生深远影响，是中国古代宫廷音乐高度发展的重要标志。
2.《唱论》
《唱论》是元代燕南芝庵所撰的我国最早专门论述歌唱艺术的理论著作。全书篇幅短小，内容精炼，系统总结了宋元时期的歌唱技法、审美标准与演唱禁忌。书中提出咬字、气息、声腔、情感表现等重要主张，强调 “字正腔圆”“声情并茂”，对戏曲与声乐演唱具有重要指导意义。《唱论》标志着中国古代声乐理论走向成熟，为后世戏曲演唱理论奠定基础，在中国音乐史上占有重要地位。
3.《九宫大成南北词宫谱》
《九宫大成南北词宫谱》是清代乾隆年间由庄亲王允禄、周祥钰等编纂的大型南北曲曲谱总集，全书规模宏大，收录大量唐宋词调、金元散曲、明清戏曲唱腔，记谱规范完整。该书系统整理南北曲宫调、曲牌与唱腔，保存了大量珍贵传统音乐资料，对研究词曲音乐、戏曲声腔流变具有极高文献价值。它是中国古代规模最完备的词曲声腔谱集，为传统音乐传承与研究提供了重要依据，具有里程碑意义。
4.抗日救亡歌咏运动
抗日救亡歌咏运动是20世纪30年代在民族危亡背景下兴起的全国性群众性爱国音乐运动。以救亡图存、唤醒民众为核心，涌现出《义勇军进行曲》《救歌》《黄河大合唱》等大量群众歌曲。音乐风格简洁明快、节奏铿锵、易于传唱，以聂耳、冼星海等为代表的音乐家投身其中。该运动将音乐与民族救亡紧密结合，极大激发民众爱国热情，推动中国新音乐走向大众化、化，是中国近代音乐史上影响深远的重要文化运动。
5.聂耳
聂耳是20世纪30年代中国近代杰出的音乐家、无产阶级音乐先驱。他创作《义勇军进行曲》《卖报歌》《铁蹄下的歌女》《毕业歌》等经典作品，音乐语言朴实刚健、贴近民众，具有强烈时代精神与民族风格。其作品深刻反映底层人民苦难与抗日救亡呼声，开创了中国群众歌曲的新范式。聂耳短暂一生却极大推动新音乐民族化、大众化发展，为中国近代音乐树立了现实主义创作典范，历史地位极为重要。
6.《小小画家》
《小小画家》是黎锦晖创作的儿童歌舞剧代表作，创作于20世纪20年代。作品以儿童生活为题材，情节生动活泼，语言浅显易懂，音乐清新明快、朗朗上口，兼具教育性与趣味性。该剧批判旧式教育束缚儿童天性，倡导尊重儿童个性，体现新文化运动精神。作为中国早期儿童歌舞剧经典，《小小画家》推动了儿童音乐艺术发展，对近代歌舞、歌剧创作具有启蒙意义，是中国近代儿童音乐史上的重要作品。
二，简答(3选2,每题15分，共30分)
1.简述我国明清时期琵琶的发展
明清时期是中国琵琶发展的鼎盛阶段，在乐器形制、演奏技法、曲目创作及流派形成等方面均取得突破性成就，成为传统琵琶艺术成熟的标志，具体发展如下：
1. 乐器形制定型，演奏姿势革新。明清时期，琵琶完成从“横抱”向“竖抱”的转变，琴身形制固定为四弦、梨形，音位排列逐渐规范，增设品位，极大拓展了音域与表现力。这种形制变革适配了演奏技法的发展，让左手按弦、右手弹拨的技巧得以充分发挥，为琵琶独奏艺术的兴起奠定了物质基础，成为后世琵琶的标准形制。
2. 演奏技法成熟，形成系统体系。这一时期琵琶演奏技法日趋完善，右手弹拨技法丰富，出现弹、挑、轮、扫、拂等多种手法，左手则发展出按、滑、揉、泛等技巧，形成“右手出音、左手造韵”的完整体系。技法的成熟让琵琶从伴奏乐器逐渐转变为独奏乐器，表现力大幅提升，成为明清民间器乐中极具代表性的乐器。
3. 曲目丰富完善，流派逐渐形成。明清时期琵琶曲目大量涌现，既有民间艺人的创作，也有文人的整理改编，代表曲目有《十面埋伏》《阳春白雪》《平沙落雁》等，涵盖叙事、抒情等多种题材。同时，形成了以地域为特色的流派，其中最具影响力的是江苏无锡派、浙江平湖派、上海浦东派，各流派在技法、曲目上各具特色，推动了琵琶艺术的多元化发展，也为后世琵琶流派的传承奠定了基础。
综上，明清时期琵琶在形制、技法、曲目、流派上的全面发展，使其成为传统器乐的核心门类，对后世琵琶艺术乃至中国传统音乐的发展产生了深远影响。
2.简述贺绿汀40年代小型管弦乐创作
贺绿汀40年代的小型管弦乐创作，立足民族性与时代性，兼顾艺术性与思想性，突破传统创作范式，为中国现代管弦乐发展奠定基础，是其音乐创作的重要阶段，具体表现如下：
1. 创作背景明确，紧扣时代主题。40年代正值民族危亡与斗争时期，贺绿汀的小型管弦乐创作紧密贴合时代需求，以音乐为载体传递爱国情怀与民族精神，摆脱了单纯的艺术表达，兼具思想性与战斗性。其创作既呼应抗日救亡的时代号召，也反映区人民的生活与期盼，成为时代精神的音乐写照，符合考研核心踩分点。
2. 创作特征鲜明，融合多元元素。作品以小型管弦乐为载体，篇幅精炼、配器简洁，核心特征是民族性与西洋技法的有机结合。他将中国民间音乐素材（如民歌、戏曲曲调）与西洋管弦乐配器技巧结合，既保留民族音乐的韵味，又增强作品的表现力；同时注重旋律的流畅性与节奏的灵活性，形成质朴自然、简洁明快的创作风格。
3. 代表作品突出，历史地位显著。核心代表作品有《森吉德玛》《晚会》等，其中《森吉德玛》改编自蒙古族民歌，配器精巧，生动展现民族风情；《晚会》旋律活泼，贴合群众审美，流传广泛。这些作品不仅丰富了中国小型管弦乐的曲目库，更推动了中国管弦乐的民族化发展，为后世作曲家的管弦乐创作提供了重要借鉴，具有里程碑意义。
综上，贺绿汀40年代小型管弦乐创作，以时代为底色、以民族为根基，兼具思想性与艺术性，既完善了中国现代管弦乐的创作体系，也彰显了中国音乐的民族特色，在我国现代音乐史上占有重要地位。
3.简述杨荫浏在史学方面的贡献
杨荫浏是中国现代音乐史学的奠基人，其史学研究兼具科学性、系统性与实践性，打破传统音乐研究的局限，构建了中国音乐史学的完整体系，对后世音乐史学发展影响深远，具体贡献如下：
1. 史学研究体系化，奠定学科基础。杨荫浏打破传统音乐研究零散化的弊端，运用科学的研究方法，将文献考证、实地采风与音乐分析相结合，构建了涵盖古代、近代、民间音乐的完整史学研究框架。他明确了中国音乐史学的研究对象、范畴与方法，规范了研究范式，使中国音乐史学成为一门的现代学科，为后续研究提供了理论与方法支撑。
2. 经典著作问世，填补史学空白。其代表作《中国古代音乐史稿》是中国第一部系统、完整的古代音乐史专著，全面梳理了从远古到明清的音乐发展脉络，纠正了以往史学研究中的诸多谬误，填补了中国古代音乐史系统研究的空白。此外，他还著有《中国音乐史纲》等，兼具学术性与可读性，成为考研核心考点与后世研究的重要典籍。
3. 抢救整理史料，推动遗产传承。杨荫浏重视民间音乐与古代音乐史料的抢救整理，深入民间采风，记录、整理了大量民歌、戏曲、曲艺、器乐等珍贵资料，同时对古代音乐文献、乐谱进行系统考证与校勘。他的工作不仅保存了大量濒临失传的音乐遗产，更将民间音乐纳入史学研究范畴，打破了“重文献、轻民间”的传统，丰富了中国音乐史学的研究内容。
综上，杨荫浏在史学体系构建、经典著作创作、史料抢救整理等方面的贡献，确立了其中国音乐史学奠基人的地位，推动中国音乐史学走向科学化、系统化，对中国音乐史研究与传承具有不可替代的价值。
西方音乐史
一、名词解释(6选4每题5分,共20分)
1.克劳苏拉
克劳苏拉是12—13 世纪巴黎圣母院乐派重要的复调体裁，由莱奥南、佩罗坦发展完善。它以格里高利圣咏为固定调声部，在其上添加华丽的对位声部，多为无歌词的器乐化段落，节奏鲜明、织体清晰，常作为奥尔加农的替换段落。克劳苏拉推动了节奏模式与复调技术成熟，促进了器乐思维的产生，为歌等后世复调体裁奠定基础，是中世纪复调音乐发展的关键环节，在西方复调史上具有里程碑意义。
2.赋格曲
赋格曲是巴洛克时期成熟的复调音乐体裁，以模仿对位为核心结构，由主题、答题、对题、间插段等部分构成。主题在各声部依次进入并展开，贯穿严格对位技法，逻辑严密、织体丰富。《平均律钢琴曲集》将其推向巅峰，亨德尔等作曲家也大量运用。赋格体现复调音乐最高成就，兼具逻辑性与表现力，对古典主义、浪漫主义创作影响深远，是西方音乐中最严谨、最具学术性的体裁之一。
3.第三交响曲
贝多芬《第三交响曲 “英雄”》作于1804 年，是浪漫主义交响乐的奠基之作。作品篇幅宏大、情感激烈，结构突破古典范式，以英雄的成长与斗争为核心，展现强烈个人意志与人文精神。其葬礼乐章气势悲壮，终曲充满英雄气概，极大拓展交响曲的表现力与思想深度。该作标志贝多芬创作风格成熟，开创浪漫主义交响先河，彻底革新古典交响曲范式，在西方音乐史上具有划时代意义。
4.威尔第
朱塞佩・威尔第是19 世纪意大利浪漫主义歌剧巅峰代表，与瓦格纳并称歌剧双璧。代表作《弄臣》《茶花女》《游吟诗人》《阿依达》《奥赛罗》等，注重人物心理刻画，旋律优美动人、戏剧冲突强烈，坚持意大利歌剧传统，强调声乐主导地位。其作品深刻反映现实与人性，兼具民族精神与戏剧力量，将意大利歌剧推向顶峰，对后世歌剧创作影响深远，是西方歌剧史上不可或缺的巨匠。
5.简约音乐
简约音乐是20 世纪 60 年代兴起于美国的重要现代音乐流派，代表人物有赖希、格拉斯、亚当斯等。以极简材料为基础，通过重复、渐变、节奏模式循环展开，摒弃复杂对位与无调性，追求清晰、宁静、持续的听觉效果。结构简洁、织体透明，强调过程性与静态美感，反浪漫主义繁复与序列音乐艰深。简约音乐重塑现代音乐语言，影响广泛，是 20 世纪后期最具大众影响力的音乐风格之一。
6.《沃采克》
《沃采克》是贝尔格创作的表现主义歌剧，1925 年首演，取材于毕希纳戏剧。作品运用十二音技法，但兼顾旋律性与戏剧性，通过底层士兵悲剧命运揭露社会压迫与人性异化。音乐碎片化、情绪紧张扭曲，和声与节奏极具张力，深刻展现人物内心痛苦与精神崩溃。它是十二音音乐首部成功歌剧，实现无调性与戏剧表现力高度统一，标志表现主义歌剧巅峰，对 20 世纪现代歌剧发展影响深远。
二、简述题(3选2,每题15分,共30分)
1.简述16世纪意大利牧歌的产生和发展
16世纪意大利牧歌是文艺复兴时期最具代表性的世俗声乐体裁，其产生与发展与当时的社会文化、音乐传统紧密相关，经历了从萌芽到成熟的完整过程，对后世声乐创作影响深远，具体如下：
1. 产生背景：依托社会文化与音乐传统，奠定发展基础。16世纪意大利城市经济繁荣，人文主义思想兴起，人们追求世俗情感表达，打破了宗教音乐的垄断，为牧歌产生提供了社会土壤。其起源可追溯到14世纪意大利牧歌，同时吸收了法国尚松、佛兰德斯复调音乐的技法，结合意大利民间歌谣素材，逐渐形成具有世俗性、抒情性的新型牧歌体裁。
2. 发展阶段：分三期演进，逐步走向成熟。第一期，多为三声部织体，旋律简洁，节奏明快，贴近民间歌谣，以抒情为主；第二期，受佛兰德斯乐派影响，发展为四声部织体，复调技法趋于复杂，注重情感与歌词意境的结合；第三期（16世纪后期），达到鼎盛，以五声部织体为主，代表作曲家有蒙特威尔第，强调歌词情感的戏剧化表达，运用半音化和声，增强音乐表现力。
3. 核心特征与历史地位：兼具艺术性与世俗性，影响深远。其核心特征是歌词多取材于田园诗、爱情诗，语言优美，复调织体与和声技法结合紧密，情感表达细腻真挚，兼顾艺术性与通俗性。作为文艺复兴时期世俗音乐的巅峰，它打破了宗教音乐的主导地位，推动了声乐复调技法的发展，为巴洛克时期的声乐体裁（如康塔塔、歌剧）奠定了基础，是西方世俗声乐发展的重要里程碑。
综上，16世纪意大利牧歌的产生是社会文化与音乐传统融合的结果，其发展历程体现了文艺复兴时期的音乐审美，不仅丰富了世俗音乐的曲目库，更推动了西方声乐艺术的革新与发展。
2.简述瓦格纳乐剧在音乐上的创作
瓦格纳是19世纪德国浪漫主义音乐的集大成者，其“乐剧”理念打破了传统歌剧的范式，在音乐创作上实现了旋律、和声、配器等多方面的革新，确立了浪漫主义乐剧的全新形态，对后世西方音乐发展影响深远，具体创作如下：
1. 主导动机体系的创立与运用，构建音乐叙事逻辑。瓦格纳将“主导动机”作为乐剧音乐的核心，为剧中人物、情感、场景、理念设定专属的短小音乐动机，通过动机的变形、发展、交织，贯穿全剧。这种手法使音乐与戏剧紧密结合，既强化了人物形象的塑造，又实现了剧情的连贯推进，让乐剧的音乐具有强烈的叙事性，成为其乐剧最具标志性的创作特征。
2. 和声与调性的革新，增强音乐表现力。瓦格纳突破传统和声规范，大量运用半音化和声、不协和和声及调性模糊手法，通过和声的张力营造戏剧冲突，传递人物复杂的内心情感。他弱化了调性的稳定性，运用调性转换推动剧情发展，为20世纪无调性音乐埋下伏笔，极大拓展了和声的表现力与情感表达空间。
3. 管弦乐配器的革新与声乐的融合，打造整体艺术效果。瓦格纳重视管弦乐的作用，扩大管弦乐队编制，丰富配器手法，让管弦乐不仅是伴奏，更是乐剧的重要组成部分，与声乐、剧情形成有机整体。同时，他打破声乐与管弦乐的主次界限，让声乐线条贴合剧情与情感，注重旋律的抒情性与戏剧性结合，实现了“音乐为戏剧服务”的创作理念。
综上，瓦格纳乐剧在音乐上的革新，打破了传统歌剧的局限，将音乐与戏剧完美融合，确立了浪漫主义乐剧的创作范式，其主导动机、和声与配器手法，对后世歌剧、交响乐创作产生了不可替代的影响。
3.简述马勒的音乐创作
马勒是19世纪末20世纪初奥地利浪漫主义音乐的集大成者，其创作兼具浪漫主义的抒情与现代主义的探索，融合多种音乐元素，衔接浪漫主义与现代音乐，对后世影响深远，具体创作如下：
1. 交响乐创作：规模宏大，情感厚重。马勒的交响乐篇幅宏大、编制庞大，常融入声乐元素，打破交响乐与声乐的界限。作品多以“生与死”“孤独与救赎”为核心主题，如《第一交响曲》（《泰坦》）、《第八交响曲》（《千人交响曲》），旋律兼具抒情性与戏剧性，配器细腻丰富，既延续浪漫主义交响乐传统，又拓展了交响乐的表现力与思想深度。
2. 艺术歌曲创作：贴合文本，情感真挚。马勒的艺术歌曲成就卓著，代表作有《旅行者之歌》《亡儿之歌》等，多以诗歌为歌词，注重歌词情感与音乐旋律的契合。他将艺术歌曲与交响乐手法结合，伴奏织体丰富，善于用音乐刻画细腻的内心世界，传递孤独、悲凉的情感，完善了德奥艺术歌曲的创作范式。
3. 创作特征与历史地位：融合多元，承前启后。其创作融合德奥民间音乐、古典音乐传统与现代和声手法，情感表达极致，既带有浪漫主义的余晖，又蕴含现代音乐的萌芽。马勒的创作打破了传统音乐的边界，影响了勋伯格、肖斯塔科维奇等后世作曲家，是浪漫主义音乐向现代音乐过渡的关键人物，具有不可替代的史学地位。
综上，马勒的音乐创作兼具艺术性与思想性，在交响乐与艺术歌曲领域均有突破，既总结了浪漫主义音乐的成就，又为现代音乐发展开辟了道路。
中国传统音乐
一、名词解释(6选4,每题五分，共20分)
1.工尺谱
工尺谱是中国传统音乐中应用最广泛的记谱法之一，萌芽于隋唐，成熟于明清，以 “上、尺、工、凡、六、五、乙” 等汉字表示音高，辅以板眼符号标示节奏。多用于戏曲、曲艺、民间器乐与声乐传唱，记谱直观、便于口传心授。它承载了大量传统音乐曲目，是保存民间音乐与戏曲声腔的重要载体，体现了中国传统音乐独特的记谱思维，对传统音乐传承与研究具有极高历史与文献价值。
2.婺剧
婺剧又称 “金华戏”，是流行于浙江金华、衢州一带的地方戏曲剧种，形成于明末清初，由高腔、昆腔、乱弹、徽戏、滩簧、时调六种声腔融合而成。表演粗犷质朴，文武兼备，唱腔丰富，脚色行当齐全，保留诸多古老剧目与表演程式。作为徽剧的重要分支，它对京剧形成有重要影响，是浙江代表性剧种之一，被列入国家级非物质文化遗产，具有重要的戏曲史与民俗文化价值。
3.大嗓
大嗓是中国传统戏曲、曲艺演唱中的发声方法，与小嗓相对，又称 “本嗓、真嗓”，以自然声带振动发声，音色浑厚、坚实、明亮，音域贴近人声自然区。多用于老生、花脸、老旦等行当及说唱艺术，讲究气沉丹田、字正腔圆，追求刚健有力的艺术效果。大嗓是传统声乐体系的核心唱法之一，符合民众听觉习惯，是戏曲、曲艺塑造人物、表达情感的重要手段，体现了中国民族声乐的审美特征。
4.洞经音乐
洞经音乐是流行于云南大理、丽江等地的传统器乐与声乐结合的雅乐品种，起源于明清，因演唱《文昌大洞仙经》得名。音乐风格庄重典雅、悠扬舒缓，乐器以丝竹为主，融合汉族雅乐、道教音乐与少数民族音乐元素。多用于祭祀、礼仪、节庆活动，兼具宗教性与民俗性。它是多民族文化交融的产物，保存了大量古乐遗存，被列入国家级非遗，是研究西南地区传统音乐与民俗文化的珍贵资料。
5.西河大鼓
西河大鼓是北方重要的鼓书类曲艺曲种，起源于清代河北高阳、河间一带，由木板大鼓发展而来。以说唱中长篇书目为主，演员自击鼓板伴奏，唱腔简洁明快、节奏铿锵，语言通俗，擅长表现历史演义与侠义故事。流派众多，流传极广，对京韵大鼓、山东大鼓等产生影响。它是北方民间说唱艺术的代表，贴近民众生活，具有重要民俗与艺术价值，列入国家级非物质文化遗产。
6.江南丝竹
江南丝竹是流行于江苏、浙江、上海一带的民间丝竹器乐合奏形式，形成于明清，属传统 “细乐” 范畴。乐器以二胡、琵琶、扬琴、笛、箫等为主，音乐风格清新秀丽、婉转细腻、小细轻雅，擅长演奏《欢乐歌》《云庆》《行街》等经典名曲。多用于民俗喜庆与日常自娱，是江南文化的典型代表。它体现了江南地区审美情趣，是中国民间器乐瑰宝，在传统器乐中占有重要地位。
二，简答(3选2,每题15分，共30分)
1.简述非物质文化遗产传统保护的意义
中国传统音乐类非物质文化遗产的传统保护，是传承民族文脉、守护音乐瑰宝的核心举措，兼具文化、学术与现实价值，对维系民族文化认同、推动传统音乐发展具有不可替代的作用。
1. 守护民族文化根脉，维系文化认同。传统音乐类非遗（如昆曲、古琴、民歌等）是民族文化的活态载体，承载着民族的历史记忆、审美情趣与价值观念。传统保护通过口传心授、文献整理等方式，保留非遗的原生形态与核心内涵，避免其被现代文化冲击而消亡，进而强化民族文化认同感与凝聚力，这是非遗保护的核心价值。
2. 保存音乐文化遗存，提供学术支撑。传统音乐类非遗蕴含着丰富的演奏技法、曲式结构、唱腔特点，是研究中国传统音乐发展史、民族声乐与器乐体系的珍贵素材。传统保护对这些遗存进行系统记录、整理与留存，为音乐学研究提供了真实、鲜活的一手资料，填补了传统音乐研究中活态史料的空白，推动学术研究深入发展。
3. 传承艺术精髓，赋能当代创作。传统保护不仅是“留存”，更是对非遗艺术精髓的传承与延续。通过传承人的培养、传统曲目的传唱，让传统音乐的艺术技法与审美精神得以延续，为当代音乐创作提供灵感与借鉴，实现传统与现代的融合，推动中国传统音乐在新时代的创新发展，彰显传统音乐的当代价值。
综上，传统保护是传统音乐类非遗生存与发展的根基，既守护了民族文化瑰宝，又为学术研究与当代创作提供支撑，对中国传统音乐的传承与发展具有深远的历史与现实意义。
2.简述民间音乐的概述和特点
民间音乐是中国传统音乐的核心组成部分，是各族人民在长期生产生活中自发创作、口耳相传的音乐形式，承载着民族的文化基因与生活智慧，是传统音乐的“活态根基”。
1. 概述：内涵广泛，活态传承。民间音乐是广大民众集体创作、共同享用的音乐形式，涵盖民歌、民间器乐、民间歌舞、曲艺音乐等门类，分布于各民族、各地区。它源于生活、贴近民众，不依赖专业创作与传播渠道，以口传心授为主要传承方式，历经千年积淀，成为反映民众生活、情感与审美情趣的“活态史料”，是中国传统音乐的重要根基。
2. 特点一：集体性与口头性。民间音乐由民众集体创作、共同完善，无固定作者，在口耳相传中不断优化，体现集体的审美与智慧。其传承无需书面乐谱，依靠口头传唱、演奏传递，兼具灵活性与变异性，能根据地域、演唱者特点灵活调整，这是民间音乐得以长期延续的核心特质。
3. 特点二：地域性与民族性。民间音乐深深植根于地域与民族文化土壤，不同地区、不同民族的民间音乐，因地理环境、生活习俗、语言特色不同而呈现鲜明差异。如江南民歌清新婉转，西北民歌高亢奔放，各民族民歌也融入本民族文化元素，既彰显地域特色，又承载民族文化内涵，是民族文化的重要标识。
综上，民间音乐是民众生活的真实写照，其集体性、口头性、地域性与民族性的特点，使其成为中国传统音乐的鲜活载体，对传统音乐的传承与发展具有不可替代的意义。
3.简述戏曲音乐的艺术特点
戏曲音乐是中国传统戏曲的核心组成部分，融合声乐与器乐，服务于戏剧情节与人物塑造，兼具艺术性与民俗性，是戏曲艺术的灵魂。
1. 声乐主导，曲牌体与板腔体结合。戏曲音乐以声乐为核心，分为唱腔与念白，唱腔是表达人物情感、推动剧情的关键。其唱腔结构主要有曲牌体和板腔体，曲牌体由固定曲牌组合而成，旋律优美规整；板腔体以一个基本曲调为基础，通过节奏、速度变化形成不同板式，灵活适配剧情起伏，兼顾规范性与灵活性。
2. 器乐伴奏功能明确，与声乐、剧情深度融合。戏曲伴奏分为文场与武场，文场负责伴奏唱腔、渲染情绪，武场控制节奏、配合身段动作。伴奏并非存在，而是根据剧情发展、人物情感变化调整力度与旋律，既支撑声乐演唱，又强化戏剧冲突，实现“乐随情动、曲伴戏行”。
3. 程式化与个性化统一，贴合人物塑造。戏曲音乐具有鲜明程式化特征，不同行当有固定的唱腔风格与演唱技法，如老生唱腔浑厚庄重，花旦唱腔灵动婉转。同时，艺人可在程式基础上，结合人物性格、剧情需求灵活调整旋律与演唱方式，实现程式化规范与个性化表达的统一，精准塑造人物形象。
综上，戏曲音乐的艺术特点围绕戏剧核心展开，声乐与器乐相辅相成、程式与个性辩证统一，既彰显传统音乐的审美特质，又服务于戏曲的戏剧表达，是中国传统音乐与戏剧艺术融合的典范。